艺术家
李真、杨识宏、董小蕙、关根伸夫、小清水渐、原口典之、法贾希迪、韩迪欧、乌米‧达赫兰、洪祝安
贵宾预展
Jan 16, 2020 (Thur) 14:00 – 17:00 （凭邀请函入场）
开幕酒会
Jan 16, 2020 (Thur) 17:00 – 21:00 （凭邀请函／预售票入场）
公众开放｜
Jan 17, 2020 (Fri) 11:00 – 18:00
Jan 18, 2020 (Sat) 11:00 – 18:00
Jan 19, 2020 (Sun) 11:00 – 17:30
亚洲艺术中心参与2020年台北当代艺术博览会，于画廊精萃的 E02 展位，展出华人及印尼战后抽象艺术、日本物派之复合媒材平面及装置作品，及李真 (1963-) 首次于艺博会展出的雕塑作品「光纤」，此作为2017年台北当代艺术馆MOCA Taipei 「『世』— 一场自愿非愿的游浮」展览中盛大发表的「凡夫」系列作品之一，探讨人类于现代网路社会所面临的问题与挣扎，展现李真探讨人性本质的强烈企图。其他参展艺术家及重要作品包含：杨识宏 (1947-) 今年于广东美术馆个展「磅礴─杨识宏近作展」展出的重要作品「峥嵘」，此作气韵生动、气势磅礴，展现了东方绘画的含蓄与诗意，杨识宏将中国书法的理解转化为抽象艺术的用笔源泉，体现出一种东方式的深厚内蕴与精神平衡。董小蕙 (1962-)「老院子」抽象系列油画，将出自院落周遭的所见景物，经过进一步的提炼后，透过造型上的省略、简化等抽离过程，最后则分解成符号性或点、线、面的抽象结构元素。洪祝安 (1955-)的水墨作品则在艺术沙龙区展出。
李真〈光纤〉
「我们可能是回避现实的社群『幽闭者』，在光纤网路中自满并公开隐私，求得寂寞的虚荣！」─ 李真
人的天性里就有眷恋束缚的部分，身处于后网路世代的我们，不只习惯甚至期待沉溺于庞大的资讯洪流。不自觉智慧型手机成为身体的一部份有何不妥；也不介意注意力沦为插头一般无止境接收网际网路的电能；我们已丧失察觉受到牵绊约束的能力，迷醉其中，然艺术家自已也没有逃脱这股力量。
李真用《光纤》诠释人类愿意自溺拘束的倾向。他以观察人们对科技依靠的状态，来用说明人性的荒谬。虽然人是向往自由，却又惯于受缚，总是矛盾的在群体中制造存在感，游荡于两个对立状态的寂寞与虚荣。
《光纤》一作，安静且不抗拒的站立，被层层麻绳环绕成球状，只露出头部和脚部，身为观者可能会为它感到不适与悲悯；但在细察雕塑的表情后，发现它并不是该有的不安，而是显于肉体捆绑当下的精神成瘾。
日本物派大师创作
始于1968-70年间的「物派」，是日本战后现代艺术极具象征意义的团体，寻找属于亚洲特有的形式，实践东方哲学的思维以及对于当时西方文化的质疑。
关根伸夫(SEKINE Nobuo, 1942-2019) 1980年代的「位相绘画」系列作品及2019年在世时最后一档个展于亚洲艺术中心发表的「空相—皮肤」系列作品及创作手稿，将特别于亚洲艺术中心展位呈现。以金箔、黑色铅箔、手工和纸及等复合媒材制作的「位相绘画」系列，以「黑色」及「金色」象征着阴阳的不同面向，并意欲探讨三维立体雕塑与二维平面绘画的共性，因为在「位相」的定义下，绘画只是拓朴学的超越三维度，甚至达四维度空间中的空间层次之一。 「空相─皮肤」系列将拓扑学（位相几何学）的理论结合艺术实验，探讨物事「形变质不变」的状态，透过画布上明显与隐微的皱纹、折痕、凹凸，展现拓扑空间薄膜浪潮，「空相-皮肤」画布的可塑性，记录着艺术家创作时身体拉力与张力，如同宏大世界的缩影──每个皱纹与折痕恰如宇宙中的一花一世界。
原口典之(HARAGUCHI Noriyuki, 1946-) 是「后物派」中「日大系」（日本大学艺术学部）代表人物，他擅长以工业材料创造富有社会批判性的装置艺术，在倾向于使用自然媒材的物派团体中独树一格。 2019特为台北展览创作的「墙与钢索」复合媒材平面作品，承续原口典之对物的重义之主题，废弃的累赘之物与被忽视的遗忘之物，经他之手成为重获新生的回忆载体，又或是重审历史的证物。作品中的合板、钢索、铁、石膏虽仍保有浓烈的工业材料质地，其表面光泽却已黯淡哑然，在分别完结自身属于「物品」之功能性的使命后，重拾「物」的本性。
小清水渐(KOSHIMIZU Susumu, b. 1944-) 对于雕塑和空间感的掌握，使得他的雕塑作品成为物派之中相当具代表性的作品，主要探讨物体中固有但不可视的本质，关注其物质性，并透过并列物件的手法，揭露雕塑的本质。 1970年代伊始，小清水渐转而特别关注物体表面的结构，之后便持续创作「From Surface to Surface」系列，并陈木头、织品、帆布等物质表面的对比与冲突；并于1980年代开始发展「工作台」(Working Tables)系列，作为探讨日本特产的木材的曲径。本次展出「From Surface to Surface」系列重要作品「From Surface to Surface-Peony Garden」及「工作台」系列最完整呈现作品之一「工作台─山胡椒木」。
华人抽象绘画的形式语汇
杨识宏 (1947-) 自2011年起开始「东方诗学」的阶段性创作，将其对东方美学思想的理解与思考融入画作中，其观念的表达强调内在心理的即兴表现力量，从潜意识中发展出一种独特的个人语言，并将其对中国狂草书法的理解，转为抽象艺术的用笔，行云流水地在画布上纵情挥洒。本次展出作品〈信仰〉、〈逍遥〉即表现出气象万千、肆意磅薄的冲击力道，其鲜明流畅的运动感隐约带出一股内在的力量控制，呈现出艺术家对大幅画面深厚的掌握能力，以及将生命体验与心理意识转化为抽象画，将有限的生命瞬间化为永恒的精妙艺术语言。
董小蕙 (1962-) 的抽象创作仍是建立在她对周遭外在意象的实境观察与生活感受。画面中虽然是抽象的造型元素，但是依稀可见到院落中花木生长、围篱盆栽、天候节气，以及光影明暗的氛围意象。这些抽象作品一方面体现了画家在老院子生活的深刻情感，另一方面也见到画家通过了理性分析的造型解构过程，开启了她个人抽象风格系列的产生。画家的抽象绘画虽然深受西方现代艺术理念的影响，但其情感内涵的连系仍与中国文人隐逸山林田园的文化传统息息相通。由此与画家一直专注于「静观」的美感底蕴遥相呼应，也成为其艺术创作体系的另一重要发展面向。
印尼战后抽象艺术
法贾希迪 (Fadjar SIDIK, 1930-2004)，1930年生于印尼泗水，1947年加入社会写实主义画会，受教于印尼艺术巨匠古拿弯及苏达梭，1952年于加查马达大学就读文学， 1954年于日惹艺术学院就读艺术创作。有别于同侪印尼艺术家所追求的具象绘画表现，法贾希迪致力创新抽象形式与构图的视觉语汇，对印尼现代抽象艺术的发展有不可或缺的贡献。其创作以科学性的几何图形描绘自然景象，探讨自然、空间、自我的三元关系以及其中的宇宙秩序平衡，反映印尼当地的民俗文化与精神认同。法贾希迪的作品为国家机构收藏，其中包括印尼国家画廊、内卡艺术博物馆，新加坡国家画廊、OHD美术馆。
韩迪欧 (Handrio, 1926-2010)，1926年出生于印尼普哇加达，他的画家生涯始于印尼写实主义大师Basuki Abdullah (1915-1993) 门下学习，随后，在印尼的日殖时期，他进而到雅加达的启民文化指导所(Institute for People’s Education and Cultural Guidance)及人民权力中心(Centre of People’s Power)师事于印尼画家Sudjojono (1913-1986) 及Agus Djaya (1913-1994)。起先，韩迪欧的作品同时具有写实与超现实主义的风格，1950年代，他藉由切割几何平面将会画转变成半抽象风格。这种风格与日惹画派流行的现实主义、表现主义、装饰主义大相径庭。在印尼艺术史中以探索绘画中的音乐性闻名，他的一生都在解释这个问题：「画作不应和音乐不同，只有声音和节奏？」韩迪欧凭借他画作中缤纷突出的用色在同辈日惹艺术家中脱颖而出。感性而直觉的，韩迪欧透过视觉符号的节奏感展现作品中的音乐性，干净利落的线条隐喻艺术家对于时空运转流传的感受和理解。他的作品无论是未来主义风格、静物主题或几何构图的表现，皆呈现了乌托邦的理想样貌。
乌米．达赫兰 (Umi DACHLAN, 1941-2009)，1941年生于印尼井里汶。她是印尼万隆画派 (the Bandung School) 第二代艺术家，印尼战后艺术史论述正重新建立其作品学术应有的重要地位。作为万隆理工学院美术系第三位女性毕业生，达赫兰展现了与其他万隆画派艺术家相同的创新与创造力。她师从万隆理工学院美术系教授Ahmad Sadali (1924-1987)，并依循他的作画原则。直到1969年至1999年，她毕业并持续创作的几年后逐渐走出Sadali的影响，发展出自己的艺术语汇，在印尼抽象绘画之中奠定地位，与多位印尼艺术家Mochtar Apin (1923-1994） 、Popo Iskandar (1927-2000)及AD Prious (b.1932）等人并列。达赫兰的作品独特之处在于运用复合媒材进行创作，例如使用古代硬币使作品带有古典象征意义，并于作品表面营造出特殊的肌理质感，如1979年作品〈无题〉。她与自然万物有极为深切的连结并因此深受感动，大自然的一切也成为她的灵感与创作来源，她内在的哲学因子及喜欢自然美景的个性，使其作品带有丰富的质感肌理和自然主义的形式表现，例如1990年的作品〈无题〉，是她将地表的变化与岩石的质感抽象化后，描绘在画布上。可以说，哲学和自然带给达赫兰莫大的美学刺激，而「抽象画」的创作，则是她最能无拘无束表现自己浸淫在自然中感受的创作方法。
艺术沙龙｜洪祝安〈无题〉
洪祝安 (b.1955-)，1955年出生于中国上海。早期于上海工艺美术学校与四川美术学院就读，相继师承于八大山人研究学者汪子豆先生和黄维一教授，1997年于澳洲墨尔本理工大学和新加坡拉萨尔新航艺术学院获得艺术硕士学位，2001年于新加坡南洋理工大学攻读博士学位；目前生活及工作于新加坡。洪祝安精通中西艺术，其创作结合书法，透过反覆层叠的渲染色块，使画面呈现简单宁静又古雅的氛围，其视觉效果亦启发多重的抽象诠释。本次展出水墨设色纸本作品「无题」，反映出一种精神状态，让观者进入深沉且不断延长的冥想及沉思状态。
